С 8 по 14 октября 2018 в Ташкенте прошла VIII Ташкентская Международная Биеннале современного искусства, тема которой «Искусство и технологии. За и против». На биеннале представлены концептуальная живопись, графика, скульптура, фото и видео-арт, инсталляция и перфоманс. Что актуально в современном искусстве, должен ли художник быть голодным, как сочетается тандем искусства и технологий и насколько важна ответственность для творца – об этом и о других важных темах поговорим с художницей Гульнарой Громовой-Джумагари.
Гульнара Громова-Джумагари
художник.
Невозможно творить в изоляции. Особенно в современном искусстве.
В творческой среде художников часто возникает спор о необходимости академической художественной школы. Пригодилась ли она вам?
Лично мне сильно пригодилась эта школа, я пользуюсь этими знаниями по сей день. Потому что невозможно без академических базовых знаний рисовать то, что сейчас вы можете наблюдать среди моих работ. Глядя на работу, в любом случае, профессионал видит руку профессионала. Потому что изначально у всего есть некое наполнение. Вот и у рисунка оно тоже есть – это конструкции, пропорции, форма.
И не зная академических основ, не владея ими, рисунок будет совершенно другой.
Даже тот же Пикассо; он всё равно исходил из основ академической школы, а потом уже дальше продолжал развивать тему, дойдя до кубизма, а после кубизма он вообще ломал формы. Но всё равно чувствуется конструкция, наполнение, рука мастера. Это сравнимо с тем, как ребенок начинает ходить. Он не может сразу начать бегать. В дальнейшем он сам начинает идти, то есть как бы высший пилотаж – умение ходить и бегать.
Конечно, сейчас в современном искусстве появилось много направлений, для реализации которых не нужно уметь рисовать, имею в виду, рукой. Я думаю, что это одно из направлений. Мне кажется, когда художник учится рисовать, он узнает много сопутствующих моментов. Например, понятие композиции, цвета, доминирования цвета и композиции, линии.
На Ташкентской биеннале у вас представлена особенная работа под названием «Нам нужны перемены». Расскажите об этой работе подробнее.
Тема ташкентской биеннале – «Искусство и технологии. За и против». Ну конечно, синтез современных искусств и технологий — это «за». Однозначно! Здесь сейчас на ташкентской биеннале я представляю работу, которая стала моей первой работой подобного плана, где будет синтез живописи, то есть классической школы. Я намеренно не стала использовать фотографии, хотя так можно было упростить – сделать фотографии, коллаж и напечатать его. Всё равно я делаю живописные холсты, которые будут висеть на стене. Их общая длина будет около шести метров. На эту стену будет проецироваться ещё большего размера видеоизображение. И всё это будет сопровождаться звуковым контентом.
Работа основана на сегодняшних событиях вокруг.
Вот сейчас в Узбекистане происходит сильный рывок – от периода застоя к периоду развития.
Все, конечно, полны надежд. И желание перемен у людей возникает вкупе с настороженностью. Неизвестность всегда психологически пугает человека. Я думаю, что, возможно, не только в Узбекистане, но и во всё мире происходят очень большие изменения в связи с появлением цифровых технологий, огромный рывок технического прогресса.
В этой работе использована техника дактилологии. Это не совсем язык глухонемых. Потому что язык глухонемых больше определяет жесты-образы. А здесь каждое движение руки определяет конкретную букву.
И вот этими жестами изображена фраза «Мы хотим перемен».
Некая отсылка к старой песне Виктора Цоя. Каждая буква – сакральный символ, который несет огромный заряд, исторической, мировой, временной истории. Язык – носитель огромной информации человека, а еще – истории, культуры, технологий.
И работа, естественно, не носит описательный характер. Это не будет разжеванная информация. Каждый человек подойдет, возьмет наушники, посмотрит на изображение. Потому что работа несет в себе сильный посыл, рассказывающий об эпохе потребительства. О том, хотят ли люди развиваться и для чего. И там будет прослеживаться вопрос «Для чего этот момент развития?». Возможно, зритель сможет подумать, задуматься и сделать для себя какие-то выводы.
Какая концепция искусства вам ближе: искусство как удовольствие, как образ жизни, как воспитатель людей или что-то другое?
Мне больше нравятся сложные вещи, хотя я рисую и простые, но красивые вещи. Вернее, я стараюсь рисовать, когда возникает такая потребность. Но чаще всего мои работы получаются достаточно сложными, наполненными неким смыслом. Моё искусство, наверное, невозможно назвать просто красивым. Всё равно то, что меня трогает, интересует, я стараюсь передать на холсте. Даже вот на биеннале появляются дополнительные моменты, то есть звук, видео – попытка отойти от классической живописи. Хотя моя живопись всё равно не классическая. Я умею, да, рисовать, меня научили, у меня великолепные учителя. Сейчас они рядом со мной. Но еще я стараюсь добавить каких-то новых современных моментов, расширить живопись. Человек начинает воспринимать работу в пространстве, а не просто в плоскости смотреть на картину в 2D. Понятно, что тоже возникает момент взаимодействия.
Каждый человек увидит в моем творчестве что-то своё, иногда совершенно отличное от идеи автора. Иногда даже спрашивают – что ты хотела этим сказать? И когда начинаешь отвечать, понимаешь, что слишком многое. И это слишком многое так объёмно, что если я всё сейчас буду рассказывать с каждой стороны, то это будет или неправильно, или неинтересно. Или интересно, но неправильно. С той точки зрения лично у человека возникает момент личностного восприятия, персонального контакта. Сейчас востребованы концептуальное искусство, перфомансы. Говорят, что Кабаков первым понял, что большой интерес в искусстве конца XX века – начала XXI в тотальной инсталляции. И он создавал как бы среду, в которую человек заходит и находится в ней.
Художник или художница? И как вы относитесь к феминитиву «художница»?
Думаю, что есть, конечно, моменты, где можно разделить женское искусство, мужское искусство. Понятно, что психология мужчин и женщин чем-то отличается. Но…
… по большому счёту нет разницы, кто пишет картины.
Вот этот момент половой дискриминации не принципиален. Ну, исходя из чисто индивидуального опыта человека, бывает чисто женское искусство. Когда, допустим, изначально преобладают бытовые, традиционные моменты, когда возникает момент травли и давления. Тогда и начинается деление искусства по половому признаку; когда возникла травма, давление – и человек начинает транслировать это в искусство.
Пример такой трансляции – поднимающиеся сейчас вопросы о тех, кто сменил пол или тех, у кого нетрадиционная ориентация.
Человек попадает в травмирующую ситуацию, она ему не нравится, он хочет её преодолеть. И естественно, он начинает защищать свои права на жизнь, отстаивать своё мнение. А когда затрагиваются общечеловеческие моменты, философские, исторические, территориальные, политические, то здесь деление по половому признаку не нужно. Его просто не может быть.
Опишите один день из жизни Гульнары Громовой.
Ну, дни у меня все разные. Восемь лет назад у меня родилась дочка; первенец у меня сын. Когда был один ребёнок – это были одни дни, сейчас, естественно, другие. И поэтому день начинается с контакта с семьёй. День наполнен обычными человеческими заботами; раз я взяла на себя обязанность быть мамой, я стараюсь уделять детям время. И в то же время очень хочется рисовать, реализоваться в новых моментах. Старюсь высвобождать время для творчества, раздумий, просмотра новостей, чтения литературы по психологии, философии.
Невозможно творить в изоляции. Особенно сейчас, в современном искусстве.
Если художник хочет быть актуальным, то от мира не закрыться.
Можно, конечно, закрыться, но сейчас период глобализации. С появлением интернета, на мой взгляд, люди становятся одной большой семьёй, возникает очень много контактов, стираются границы.
Профессиональные писатели говорят, что нет никакого вдохновения. И если ты хочешь стать настоящим писателем, то ты должен сделать себе график работы и неуклонно ему следовать. Как с этим дела обстоят у художников и конкретно у вас?
По-разному. Я замечала за собой, что…
…намного интереснее, когда появляется некая внутренняя наполненность; потом появляется посыл, идея и момент реализации.
И в этот момент возникает – называйте это как хотите – желание реализоваться или вдохновение. Но бывают моменты, когда и заставляешь себя сесть порисовать. А когда картина в процессе и нужно что-то технически доделать, в этот момент появляется график.
Много ли творчества в искусстве и не вытесняет ли творчество коммерция?
Мне кажется, во все века были художники, были заказчики. Часто появляются статьи в СМИ, что искусство стало продажным. На мой взгляд, в искусстве художники всё равно производят продукт. Хотя с появлением поп-арта искусство стало более доступным, появились принты и так далее. Но в основном искусство – это всегда дорогое удовольствие. Потом искусство однозначно идёт как интеллектуальный ценз. Не каждый человек готов купить картину и повесить на стену. А вообще, продажный-не продажный – это всё просто разговоры. Раньше заказчиком искусства часто выступали церкви, потом государство; потом СССР распался и там была своя идеология правителей. По большому счёту, правящая структура популяризировалась через искусство.
Но всегда были художники, которые шли иным путём. Это и андеграунд, и авангард. То есть…
…что-то срабатывает у художника, появляется мощный посыл выразить нечто другое.
Есть даже направление сайнс-арт – стык искусства и науки. Очень много опытов проводится, когда в научные лаборатории приглашают художников.
Художники очень часто нестандартно мыслят. Как и учёные, к которым знание порой непонятно откуда приходит. Даже такие растиражированные случаи с таблицей Менделеева, когда человек думал над одной проблемой и вдруг она непонятно откуда появляется. Откуда это, да? И я думаю, что у художников есть способность как-то эти парадоксальные моменты улавливать, передавать их. Вообще они как-то по-другому устроены, эти люди искусства.
Любое открытие в мире, в истории возникало как некая ересь. А потом люди привыкали, это становилось обыденностью, потом проходило время и становилось историей.
Люди часто подходят к каким-то полотнам художников и говорят «что это за ерунда?! Что за мазня?!». А потом проходит время, люди привыкают, потом начинают восхищаться. Те же самые импрессионисты изначально воспринимались, как ересь, как люди, не умеющие рисовать. Это можно отследить на протяжении всей истории искусства, особенно в XX веке. К примеру,…
…Малевич – мощнейший рывок, что-то другое, новое для того времени.
Были ли неадекватные реакции на ваши работы?
Таких конкретно неадекватных реакций не было. Потому что приходят смотреть более-менее подготовленные люди. Конкретно в лицо мне никогда не высказывалось. А вообще темы табу, да, есть. Даже недавно была выставка, посвящённая Дню независимости. Искусствоведы были вдохновлены тем, что им разрешили выставлять всё, даже обнажённую натуру. Так как у меня есть много рисунков обнажённой натуры, пригласили и меня. Мы принесли и, в конечном итоге, эти работы не повесили. Поэтому всё-таки цензура и отбор существуют. Наверное, цензура существовала и будет существовать.
С появлением свободы важен ещё и момент ответственности, осознанности.
В России или Европе как-то с этим посвободнее?
Свободнее, но всё-таки стоит посмотреть на того же Павленского. Он делал перфомансы в России. И европейское сообщество его защищало. А когда он стал делать такие же перфомансы во Франции, его тут же посадили. Поэтому…
…важно не нарушать чьи-то права, интересы, границы.
Понятно, что он замечательный аукционист, он делает какие-то важные и интересные вещи, которые поднимают достаточно острые социальные вопросы. Но должен всё-таки присутствовать момент ответственности.
Реально ли художнику в Ташкенте реализоваться и зарабатывать?
Мне кажется,…
…заработок и реализация – две разные вещи.
Момент реализации подразумевает под собой отсутствие заработка на каком-то этапе. Только когда художник уже доказывает свою состоятельность, актуальность и интересность своих картин, у него появляется поддержка в виде кураторов и галерей, которые заинтересовываются его творчеством.
А изначально, я думаю, художнику достаточно сложно заработать тем творчеством, которым он хочет зарабатывать. У него должно совпасть несколько моментов. Элементарно, чтобы то, что он делает, было приятно общей массе людей, чтобы он нашёл свою клиентуру, чтобы возникла эта армия потребителей, хотя бы кучка, хотя бы несколько человек, которые готовы это покупать, могут это покупать. Потому что искусство в любом случае финансово затратно. Ведь надо покупать кисти, краску, материалы, обеспечивать себя, элементарно где-то жить, что-то есть. Но вот так сразу, быстро… способ заработать… вопрос – на что? На бутерброд, на велосипед, на квартиру, на машину? Здесь уже возникает куча сопутствующих моментов. Поэтому мне кажется, что классно было бы, если бы государство обратило внимание на культуру, искусство.
Когда разные государства несколько раз делали попытки выплачивать своим гражданам какую-то минимальную ренту, очень многие замечали, что люди становились более спокойными, более здоровыми и начинали заниматься собственным образованием, поднимать культуру страны. Потому что…
…трудно творить и зарабатывать деньги.
Это совершенно разные вещи. Приходится заниматься коммерцией, которая востребована. Очень многие художники, даже самые крутые, вспоминают, что у них были сложные периоды.
У меня друг-художник говорил, что они с женой пекли пирожные. Жена ходила и продавала по точкам, по институтам, школам. То есть, когда человек не занят своим делом, его продуктивность уменьшается. Когда он думает о том, как выжить, какое тут творчество? Когда, допустим, закончивший ВУЗ не будет вынужден бегать себе на еду зарабатывать, а у него будет хотя бы прожиточный минимум, жильё, еда – тогда искусство расцветёт. Хотя все говорят, что это утопия. Но вот несколько раз были попытки подобного опыта у разных государств. Много положительных моментов в этом, отрицательных гораздо меньше. Был очень маленький процент людей, которые получив там условно деньги, тут же бросили творить и работать.
У вас есть свой авторский стиль. Сколько техник создания картин вы перепробовали, чтобы прийти к нему?
У меня была очень хорошая школа, меня научили рисовать. Дальше уже я стала развивать, развивала своё творчество во ВКонтакте вместе со своими учителями-художниками. А стили были самые разные. От реализма, от классической школы до авангарда. Сейчас вот уже в какое-то концептуальное искусство перехожу.
Творчество какого художника на вас повлияло в начале вашей карьеры?
Таких художников очень много. Огромная вереница из уже умерших и великих.
Но, если выделить именно 3, то это, безусловно, сначала Микеланджело. То есть это умение мощно рисовать, составлять композиции – сумасшедшие, огромные. На второе место могу поставить Леонардо да Винчи. Потому что мне кажется, в то время человек как раз и занимался сайнс-артом. Он конкретно занимался научными изысканиями. Им было сделано очень много открытий, которые впоследствии были использованы. В совершенно разных областях – анатомия, машиностроение. В то же время он был хорошим художником. Третьего очень сложно назвать, потому каждого, кто приходит сейчас в голову, хочется поставить на это место, каждого упомянуть.
Бывает ли у вас мистическое чувство, что что-то направляет ваше воображение и кисть?
Да, это постоянно происходит. Я пыталась анализировать своё состояние, когда всё это рождается. Изначально, когда я училась, было ощущение, что глазами видишь одно, а твоя рука не может изобразить то, чего ты хочешь. Не знаю, что это – душа или мозг. И это сильно раздражало, толкало к бесконечным повторениям, отработке технике, раз за разом. Потом я уже узнала, что и у музыкантов всё происходит благодаря регулярным репетициям, и у танцоров – каждый день они должны постоянно тренироваться. То есть это бесконечный труд. Потом приходит этот момент, когда ты технически способен выразить желаемое. А дальше уже возникает некоторое наполнение. Ну непонятно, откуда это мистическое чувство, когда раз — и это складывается. Осознанно или неосознанно, вдруг это возникает. И конечно,…
…когда рисуешь, часто возникает ощущение, что что-то водит твоей рукой.
Когда вы поняли, что хотите стать художником?
Просто так ничего не пришло. И не приходило долгое время. Преподаватели, родители просто видели, что я хорошо рисую, и решили, что неплохо было бы поучиться и дальше. Сначала был дом пионеров, потом изостудия. Учитель в студии посмотрел и сказал, что надо двигаться дальше, поступать в серьёзный ВУЗ (я сама родилась в Фергане). Он сказал, что либо в Россию, либо в Ташкент. Так я поступила в художественное училище Бенькова.
Ощущение, что я художник, появилось примерно ближе к окончанию училища, либо уже после…
… – точно не помню. Когда приходили мысли, желание выразить проблемы в социуме, в мире, когда появились вопросы, волнующие меня. Когда стало получаться нормально выражать свою мысль, нормально стало получаться технически, когда я начала получать удовлетворение от того, что я делаю, от результата. Тогда стало возникать ощущение, что я художник.
Кем бы вы могли стать, если не художником?
Когда у меня был момент выбора, была такая лёгкая мысль – а не стать ли мне врачом-хирургом? Но это, я думаю, часто бывает момент программирования сознания, когда в семье говорят, что вот эта профессия хорошая, почему бы не заняться ею. И я думаю, это и был момент программы. Потому что бабушка моя хотела, чтобы я стала врачом. Поэтому однозначно сказать, кем бы я могла быть, я не могу. Но мне кажется, художник –это такая замечательная профессия! Хотя многие не считают, что это профессия. Часто появляются люди, которые с пренебрежением относятся к художникам, писателям. А в итоге оказывается, что художнику можно реализовать себя во многих сферах. И это в любом случае огромный труд, терпение. Человек тратит много времени, чтобы научиться делать что-то в искусстве.
Всё равно всё вокруг – произведение художников, людей, которые способны видеть красоту, воссоздавать её.
Это люди, способные создавать что-то новое. Даже этот стол, за которым мы сидим. Не будь художественного наполнения, соответствующего образования, понимания вкуса, технических владений, то не было бы этой красивой мебели. В тоже время, повар может быть художником. В широком смысле этого слова. Художником можно назвать любого человека, который прекрасно выполняет свою работу.
Что такое художественные способности?
Художественные способности – это не значит талант, это не значит гений.
Художественные способности – умение что-то видеть, способность создать иллюзию пространства, цвета, ритма на холсте.
Сейчас это очень сильно трансформируется. А дальше уже божественная искорка, которая появляется в человеке; тогда уже появляется и наполненность. Появляется талант, гений. Художественные способности – это как некий навык, как умение красиво ходить. Это даже немного с физиологией стыкуется, движение руки, работа мозга. Это не окончательная точка, которая делает человека художником.
Что для вас самое ценное: процесс или результат?
Я думаю, результат очень важен. Но в первую очередь всё же процесс. То есть, как ты себя чувствуешь в этот момент. Но у художников есть ещё аспект важности результата, потому что в любом случае есть конечная цель. Поэтому всё взаимосвязано.
Здорово, когда возле твоего творения люди греются, как на солнышке.
Важна ли вам оценка зрителя? Кто для вас главный критик?
Самый главный критик – я сама. Самый жёсткий, так сказать. Оценка важна, наверное. Если бы не было важно, я, наверное, у себя в голове всё это рисовала бы. Или как даосские монахи, на песке – ветер подул и всё стёрлось.
Говорят, что художник творит в тишине, но ему нужна «тусовка», это правда?
Конечно, очень важно общение с художниками, творцами, единомышленниками, которые что-то производят, творят. Которые находятся в состоянии познания мира. Вообще, человек существо социальное. По поводу работы в тишине, то тоже важен этот момент, когда ты погружаешься в набранный в себе опыт, в себя. В это время, конечно, важно, чтобы не беспокоили.
На ваш взгляд, в Узбекистане подходящая атмосфера для творчества – в общем и в плане востребованности искусства?
Творить, я думаю, можно везде. С другой стороны, здесь такая атмосфера – она немного замкнута на себе самой. Попадая в Казахстан, понимаешь, что там идёт очень сильный контакт с реалиями современного мира. А здесь есть момент изолированности. Там художники очень сильно продвинулись. Конечно, есть художники, которые занимаются традиционным артом, но и очень большой процент людей, которые занимаются современными направлениями. И это очень сильно поддерживается – пусть не государством, но существует очень много продвинутых галерей, которые находят спонсоров, богатых людей, умеют их убедить, что это важно, нужно. В этом смысле там искусство, как ни смешно, более современное.
А если заниматься традиционной живописью, традиционными вещами, то здесь такой момент идентификации работает на все сто процентов. То есть сразу видно, что это Узбекистан: вот они традиции, вот они корни.
В смысле традиционного искусства, здесь таким художникам хорошо.
Хотя я даже замечала за некоторыми своими друзьями, как только они попадают на запад, то их творчество мгновенно трансформируется. Они отходят от рамок, от каких-то литературных вещей. Художники на западе больше обращают внимание на современность.
Конечно, было бы хорошо, если бы было больше поддержки, больше людей-организаторов, финансирования. Потому что для создания современного проекта нужны вложения. Даже сейчас многие любят создавать большие работы – элементарно большие по размеру. Не все, можно сказать даже, что никто из художников не способен это сделать сам. Здесь возникает понимание, что всё-таки это командная работа. Очень здорово, когда у него есть арт-менеджер, пиарщик, который привлечёт инвестиции, интерес людей.
Я думаю, если в дальнейшем наша страна не будет закрываться от мира, то большое развитие возникнет и здесь. Появятся галереи, богатые люди, бизнесмены, государство, которые обратят на это внимание. Без культуры и искусства прогресс невозможен и жизнь не так красива. се говорят эту заезженную фразу «красота спасёт мир». Большинство людей, которые жили в XIII, XIV, XV веках, известны благодаря тому, что они заказали у художников свой портрет или роспись, которые и были названы именем заказчика. Они остаются в истории. Вечная жизнь через искусство.
Художник должен быть разносторонним?
Наверное, никто никому ничего не должен. Если человек хочет, естественно, он становится художником другого плана. Вообще любой творец, чем он более продвинут, чем больше он знает, тем явнее он может выдать более качественный продукт, наполненный. Ну и достаточно художников, которые наивным искусством занимаются. Когда человек, не имея образования, создаёт фантастические вещи. Здесь, наверное, потребность души. От самого художника зависит, насколько он хочет быть наполненным, интеллектуально развитым.
В 2006 году у вас была выставка в театре»Ильхом». Каким вы запомнили его основателя Марка Вайля?
Мы дружили, общались. Сам он человек творческий, наполненный. И он отмечал для себя людей, желающих что-то сделать, творить. Когда я пришла к нему со своим проектом, у меня были большие картинки и был ряд рисунков, которые сложно оформлять. Марк Яковлевич с удовольствием помог организовать выставку. В итоге произошёл некий синтез разных направлений искусства. Им понравились картины из серии «Это любовь», где каждая картина – это история. И они предложили сделать мини-спектакль на основе этих полотен. Там было 17 работ, 14 из них взяли.
Марк Яковлевич был творческим, необычным и мощно наполненным человеком.
И однозначно очень смелым, потому что такие вопросы, которые он поднимал в те времена, были достаточно острыми. Он это выносил на сцену в виде спектаклей. Мне кажется, Марк Вайль — ключевая личность в истории узбекского искусства.
Когда вы считаете, что картина удалась?
Момент, когда технически удовлетворяет и смысл прослеживается – когда всё это встречается, тогда удалась. Хотя иногда пишешь картины, как красивое пятно. Но для меня очень важно, чтобы в моём конечном продукте искусства соединились несколько моментов: профессионализм, умение рисовать и воплощение. Вот оно, встретилось: изображение с формой, смысловым наполнением. Это «удалось». Потому что с середины XX века есть такой момент, когда кураторы и критики отмечают кризис. Что вот она — чёрная точка, которая есть смысл этого изобразительного искусства на плоскости, скульптуры реалистичные повторяющие нашу физическую реальность. Вот оно, всё к этому пришло, всё, точка. А дальше изобразительное искусство начало рассыпаться на составляющие: концепт, идея, чистое изображение, когда идет абстрактное искусство. Каждая часть стала концептуальным искусством. В этом смысле я, наверное, консерватор, мне хочется, чтобы всё это слилось воедино.
Какой совет вы можете дать начинающему художнику?
Наверное, не придерживаться никаких моментов (смеётся). Смотря какие цели. Если человек хочет создать новое – то получить базу и дальше отталкиваться на крыльях интуиции. Вообще идеально, когда художник не цепляется за пройденное, изученное, найденное. Понятно, что художник в рамках своей личности всегда творит нечто новое. Но интересно, когда художник находит что-то своё – новее – неизведанное ранее.
